基础素描教学中“形”的认知与训练

李秋地

(山东艺术学院美术学院，山东 济南 250014)

素描作为一切美术类造型的基础，是一门古老而又复杂的绘画语言，又是所有美术从业者不能回避的绘画训练之源。美术类高校作为输送专业人才的原产地，对于低年级学生的基础素描训练自是看重。当下国内，在历经半个多世纪的传统苏式教学模式下，虽然培养出了大批现实主义绘画的人才，但也逐渐暴露出过于单一概念化的弊端：公式化的观察方法与封闭性的再现方式，单一化、形式化的表现手段，照本宣科的临摹写生，缺少主观理解与提炼等等。这些现实问题一直困扰着基础教学的改革与发展，传统的训练与手段虽然“练手”却没让学生“走心”。现如今尤其是绘画、雕塑、实验空间装置等专业方向的基础造型训练，对于“形”的要求不同，对素描的功能作用与表现形式也不尽相同，多元化、多形态的手段与思维训练正逐步引入课堂教学。在基础教学训练中，通过梳理方式方法，因人施教，在提高“技”的同时引发思考与领悟，强化“艺”，为将来的专业方向学习打下良好的造型基础。素描不单是完成一张漂亮的习作，更是对造“形”的认知与学习，由被动临抄转变为主动归纳、整理，加入对专业特点的研究，回归基础素描的初衷。

一、基础素描目前的瓶颈

每当新生入校，也是基础课教师无奈的开始。每年的艺考精英们能踏入大学教室，也说明了学子们考前对素描已经有了初步的认知与学习，对应试的短期要求如：起“形”、铺色调、线条使用、深入刻画都有着娴熟的模板套路，把画素描变成生产线流水作业。而为什么画，怎么画却从无想过，对于造型的训练目的更是无从谈起。我们教一年级素描课美其名曰“纠错”，力求引导学生改掉以前的套路化毛病。其实错的不是学生，是我们。多年来积攒的问题没有被业界重视，反而通过艺考放大了应试培训中的弊端，把形式化的技术表现作为对素描好坏的判断依据，无形中放大了对工具、技法、表现手段的作用，忽视了被画对象的关注与认知，缺失了主动提炼“形”，进而造“形”的意识。

一年级的素描基础训练，通过由短至长的课题迭次，能逐渐引导学生从短期“画大概”转变为深入细节思考的研究过程。这个过程其实是个由短期 “速写”到长期素描的转变，也是量变到质变的一个过程。课题内容与难度的增加，迫使学生开始学会理性思考研究，考前所学的流水化突击作业在此时完全不适用，面对于多几倍时间的长期作业，从观察方法到思考方式，画面技法与整体布局，再到感性的艺术表现力都跟以往有截然不同的认知。对形、色、体、空间、构图、解剖等因素都必须有一定的学习和参悟，对素描的理解也不再是单一片面的强调比例准不准、像不像、形体结构对不对、色调处理过不过等等初级问题。而这些看似独立而又相互没有联系的问题，其实是有关联的，现阶段没有感受到，那是学生没有建立起对“形”的感知与体会而造成的。就比如雕塑专业学生做泥塑头像，老师辅导时经常说：“像是挺像，就是没形儿”，那这是什么原因呢？简单说照抄模特，现在的学生都有能力，对五官特征都能做的八九不离十，可是对于结构空间的把握就差很多，往往把头像简单分几个大面，五官做在朝前大面上，犹如“四面浮雕像”。我们讲眼角、嘴角到耳屏的距离就是重要的体积、结构空间，人的脸 “形”塑造就是靠几个大面组成，大面的面积大小、位置、角度与方向都决定了你做的东西有没有体积、是不是雕塑，也决定了“像不像、有没有形”的问题，而研究体、面、方向、比例、空间这些问题的原点其实就是来自于素描训练中对“形”的认识积累与转换。

对“形”的理解与掌握是我们素描训练的终极目标之一，是重要的造型手段与实用“工具”，也是我们诉求的造型能力培养和独立思考意识。这些看似单纯而又简单的道理，其实对未来的艺术创作有着决定性地影响。在课堂上只是单纯对学生进行简单的“纠错”，学生只是被动的“改错”，而没有指导他对错误的认知是没有任何意义的，错在哪里，应该怎样避免，应该怎样主动提高对造“形”的认识反而是问题的核心。

二、“形”的观念树立

“形”这个字在日常素描教学中，往往被提及的是“形体”“形状”乃至“形式”等等词语。而学生对其理解也是常规的这些理论，对于本篇所探讨的“形”，往往比较模糊。这里的“形”笔者认为是对于模特的认知与自身对绘画理解的综合判断，用全新的观察方法与思维方式理解构建“形”的主观表现。在画面呈现上，用有别于以往的观察方式思考“形”，调动线条、构图、透视、解剖、体积、光影、空间、色调等一切要素主动造“形”，这些要素即相互独立又相互影响，而我们的目标就是把这些要素简单化，回到原始初衷，真实并多角度观察模特，理解形体，读懂结构的转折变化，并结合模特的气质、表情、习惯动作等归纳出要表现的瞬间，画面是何种线条风格，色调光影该如何取舍，透视解剖是否要刻意强调，细节纹理该如何处理等等，这些都是造“形”的主观思考。对“形”的不重视、缺乏思考就容易被动的抄袭光影，对真正的形体结构没理解，只看到明暗交界线灰亮部形体，而遗漏了处在暗部的形体，对整体“形”理解不够，画面自然苍白无力，整体性大打折扣。

在基础素描刚开始的石膏像训练中，动笔前先让学生对石膏像有个概念了解；这不是个没感情的教具，这是雕塑，是空间艺术品，是大师的经典佳作。要对他进行360°的“3D”扫描，了解他的动态之美，了解他的五官情绪，了解布光对体现雕像气势、情绪的重要性。每个人再结合自己的理解和特点喜好去定画面走向，是大手笔的色块皴嚓还是细腻的内敛张力表现，都可以达到训练、培养造“形”的目的。就比如课上我们画石膏像大卫，头发卷往往会受光线、角度的影响，呈现出如“月食”般视觉效果，明暗交界线会欺骗我们的眼睛，孤立地去对每个亮面和暗面，简单的对比色调准不准只是在被动临摹，被动抄袭。很少去考虑这个“头发卷”真实地形体是怎样的结构，光线如果发生改变了这个体块有没有变化？这个单独“头发卷”在整个头发大体块中所处的空间位置关系如何？对周围的空间形体是否有产生遮挡和凹陷？这些问题都是影响造“形”的关键因素之一。几个相邻的“头发卷”会组合成一个新的大体块，这个大块又跟周围的形体块(如额头块、脸庞、五官、脖子圆柱体等)产生了关联，这些关联直接影响画面的整体性与“形”的建立。从初始的构图到起形抓动态，再到光影体积的空间塑造，最后到整体的调整回归，都要搞懂真实的形体。当理解了形体结构和模特特征后，下笔自然胸有成竹，线条会随着形体方向去塑造，处理空间色调关系也会游刃有余。在反复推敲修改过程中，感性思维也会突破屏障，加入对模特的表现当中来。视野界定了格局，格局大了观念就大，当视线放眼全局整体的时候，画画就是个轻松的事，也是件享受艺术过程的事。

三、运用“形”画素描

在素描课的训练中，我们强调主动分析、理解模特，主张看“形”、找“形”、认“形”、懂“形”并画“形”。前面我们已经分析了“形”的观念树立，怎样把“形”的观念贯彻到作业始终，还需要大量的实践与总结，课下要参阅国内外经典优秀作品，从中吸收营养并转化成源动力。懂了“形”，会了几种小技法并不代表手握万能解药，没有反复多次的失败与积累，是很难进步的。在实际绘画过程中，会碰到许许多多的实际问题，在此，就学生在作业中容易碰到的几点疑惑展开论述。

(一)保持清醒的头脑，坚持造“形”

课堂上，无论是静物、石膏像还是人体，面对模特都有手足无措的过程，新鲜的感受恨不得即刻捕捉下来，而时间的推移像海绵一样慢慢地吸走了激情，大量的重复挥笔让人变得枯燥而机械，脑中的“形”似乎离你越来越远，反复擦改也难以找到当初的感受，最后作业在麻木的状态下无疾而终，这种困境周而复始的出现在课题当中，该如何摆脱调整呢？艺术创作我们说就像在顺风划船，风向与目标总是很难一致，想省劲就顺风划。可最后呢？要么偷懒等风转向，要么费力划回目标。成功不能靠命，命运很难眷顾一个懒汉，在顺风的时候时刻要保持清醒，明确开始定下的目标，别因为一时的利益麻痹自己而忘掉初衷，也不能一个劲地傻划而忘了方向。作画也是如此，长时间的机械挥笔，会消磨意志，也会出现浮躁偷懒的心思，这时候就需要停笔开始思考；终稿的标准是什么？用什么样的方式去实现？现阶段画面的问题是什么？我下一个目标是哪里？最初的感觉是否还存在于画面上等等，这些个疑问看似与画“形”无关，其实整个过程反而就是在造“形”，只不过不是用手，而是用脑而已。

(二)梳理好像与不像的关系

像不像这个问题一直以来都是老生常谈。画像这是美院学生的最基本要求，而画出神就不一般了，再要能画出形神兼备来就更是千军易得，一将难求了。宋人陈郁在《藏一画腴·论写心》中提到：“盖写其形，必传其神，必写其心。”这里我们所说的“形”是指模特的基本特征，如五官比例、结构特征、重心动态等等外在的表象。而“神”则是指模特的情绪变化，个人动作习惯及身体姿态语言，这些隐性信息都需要我们去解读破译，并选择最符合模特性格的瞬间定格在画面中，并且能把这种感受贯穿始终。说起来容易，画起来真的很难，难的就是始终贯穿这个“神”。关注了外在的“形”就容易丢了“神”。其实我们理性分析下，“形”是可以覆盖“神”的，因为模特的神态呈现最终会反映到肌肉与动势的细微变化上，当捕捉到这一点，在画的时候就可以游刃有余。比如处理面部表情多关注瞳孔与眼皮的张开程度，是比正常状态画大些还是小些，光线会不会在黑眼珠上产生高光点，这些都与人的兴奋度有关。眼神的表情是情绪的写照，头颈肩的姿态更是会加强这一信号的传达。定好要表现的神态，解读结构解剖的变化，抓住对象的特征，突出其特点，放大隐形的情绪语言，以形写神，形神兼备，始终保持对模特的敏感，调整画面，坚持“形”的既定目标。

形准不准跟像不像是否有必然联系，这是学生经常纠结的痛点之一。我们说形的准确与模特对象分毫不差就是正确的，这句话不完全成立，立场与角度不同，结论也不相同。照相机有它的任务，艺术有它的使命。绘画不是摄影，写生本身就是再创作的过程，超级写实绘画也绝非是喷墨打印机般的数字还原，拿物理还原的准与艺术处理过的像进行比较丝毫没有意义。对绘画结果而言，强调“形”，突出特点的“像”往往比忠实还原对象更有价值，更有艺术性。

所谓形准不准确不是绝对的，是相对的，也是具象可见的。而像不像完全是主观判断的结果，是相对于准不准而言的感性升级。二者之间有着必然的因果关系，却也有着不同的使用标准。准确与否更多的是评估“形”的技术指标，即便是相对而言，也是理性思维的回归。而像不像则是主观的，抽象的，在形准不准的基础上衍生而来的。普通的像就是形似，高级的像是神似，艺术的像就是形神兼备，惟妙惟肖。像与不像从感性角度来讲没有标准，也没有具体的判断依据，因人而异。衡量形准不准是以画舒服了为准则。这个“舒服”是建立在构图、线条、色调、解剖、透视都完善与准确的基础之上，再加入个人的感受与强调而得来的。自己看着舒服，不见得别人看着舒服，这说明境界还不够，艺术修为与格调还需要再历练和积累，手头的技法还有提高的空间。想要做到“舒服”，其实很累，用最少、最简练的笔触完成“形”的塑造，既准又像，还要有一定的艺术表现力，的确很难。需要对“形”有超乎常人的敏锐洞察力跟执行力，又要在技术上有一定的表现力才能有所回报。

像与不像还牵扯到一个重要问题就是解剖，我们常说画人必须要研究解剖，了解了人体解剖后再去画模特准确性会大大提高，也增加了像的几率。这是真理，但也有它的弊端，解剖理论好比就是工厂的“标准件”，是死的没有温度，是完美样品，而活生生的人就没有这么标准了，是“非标件”。很多学生经过对人体解剖系统的研究，动笔时竟像骨骼和肌肉的构造，影响之下，对人的观察就不纯粹了，失去了第一感受的直观与热情，结果反映在画面上就是机械刻板，缺少生动与灵感。就比如有的模特体态偏胖，表层皮肤光润，没有明显的骨骼肌肉特征，可学习了解剖后非要在模特身上去体现，就有些舍本求末，弄巧成拙了。因此对解剖学的使用要因地制宜，活学活用，认清科学与艺术之间的关系，既要有内在关联又要控制得体，适可而止。

(三)理清技术与感性的矛盾

技术与感性的关系其实也是技术与艺术的矛盾。画面过于理性程式化，强调笔法跟效果的皴擦，那就是“炫技”，这种作品即便是有“形”，也是毫无生命力的半成品。而过于提倡感性，忽略技术环节的支持，对最终的艺术呈现又缺失许多。对“形”的解析不够，画面很容易苍白、空洞，整体表现力会削弱很多。我们说大师的至高境界就是把理性和感性的冲突，升华到常人难以企及的画面呈现，既有漂亮的线条色调，也有艺术性极强的画面整体和艺术观念。二者处理起来得心应手，浑然天成，让人第一时间不会有特意去关注的细节跟技法，这既是脑中有“形”跟无“形”的区别。“形”的观念明确，也是感性思维的主导，在画面中自会有体现，会自然而然地调动一切元素包括技法材料去实现它。画面处理会变得主动、生动，艺术性会强化许多，这也是绘画观念的一种呈现方式。

在绘画过程中，传统苏式素描体系要求多是以直线起形，线条、线段、色调也是用规矩的交叉渔网线表现，画物体都是要求分面，而相对于圆形、异形物体的表现较刻版呆滞，对物体质感缺少关注，对“形”的局限性很大，“方法论”限制、束缚了感性思维的直观发散，也缺失了画面多样性表现的活力。当然在现阶段，基础素描还是以现实手法表现为主，画面以全因素训练为宗旨，低年级的要求毕竟不同于高年级的创作性专项素描课。对于“形”的学习掌握，全因素训练反而更好，诸多素描因素都要去调动，去组织，去为“形”服务，在相互制约调整的过程中，磨炼造“形”，才有收获。而高年级的素描要求就会舍弃一些因素，把“形”通过剩下的因素加工提炼，达到强化艺术性及专业性的目标。

(四)学会自己调整大关系

所谓的大关系，也就是画面的整体性调整，包括整体与局部的协调关系，黑白灰的色调关系，形与形的主次节奏关系等。这些在最后阶段所要关注的问题其实都可以自己来研究解决。教师不在身边指导，要学会自己主动思考处理问题，解决问题，把自己的能力挖掘到极致，这样等教师来指导时，就可以传授一些超越你现阶段能力的新问题，而不是重复一些本来自己可以解决的旧毛病。作画中要有清晰的头脑,把自己的旧问题克服，将来在独立创作的过程中，面对画面有整体调整的目标，慢慢学会自我梳理，逐渐找到处理整体的节奏，才会在今后的创作道路上自我完善，受益终生。

整体与局部的关系，即矛盾又相互制约，调整的目标就是把二者做到和谐统一，相互平衡。首先要有大局观，画画时要常眯着眼睛看画面，这样细节就会模糊，眼睛里看到的就是整体效果。经常起身退后观察也是调整整体的好办法，跟对象反复作比对，回归感性，从气势、动态、情绪、韵律、节奏上找差距，是细节表现力不够还是过于抢镜削弱了整体？是整体太过于空洞概念还是局部处理不够均衡？这些问题都要学会自己思考，理性处理。细节的处理对模特的理解和表现有格外重要的作用，往往情绪特征的传达，就是细节呈现出来的，这些地方要多加注意，在最后的处理阶段要控制到位。整体是靠细节来填充的，细节也要服从于整体，没有整体和没有细节都不是好作品。

黑白灰色调，是光影、体积、空间的直接缔造者。光使物体产生了明暗和色彩，也呈现了它的体积和空间位置。落实在画面上就出现了黑白灰色调的变化，这些色调与边缘线组合形成了一个个完整的“形”，这些“形”之间的关系在最后阶段是需要仔细调整的。我们说重色调不是固有色就是阴影。而阴影的色调处理是根据反光而来的，越是犄角旮旯的地方，说明周围物体遮挡厉害，它就越黑，因为反光漫射不到。“形”的走势坡缓，色调自然就变灰，因为有反光影响。而亮部的变化是靠直射光到达物体的远近程度显现的。黑白灰色调的变化决定了“形”的空间位置，也明确了色调处理的方向。搞清楚了原理，调整起来就轻松许多。

大关系的调整离不开“形”的构成，素描画面是由大大小小、色调不同的“形”组成的，这些“形”承载了构图、解剖、体积、空间包括“像与不像”的任务，它们之间的主次、节奏、强弱控制都要遵循整体的原则，既要明确，又要得当。一味的追求“形”，追求夸张效果而扭曲了对模特的真实感受，会失去画面平衡，反而弄巧成拙。凡事要讲个度，真正的整体是建立在内心，心态平和才能松弛有度，控制得体，画面自然就水到渠成，大气生动。

面对复杂的画面要有整体意识，在变化中求统一，统一中求变化。在绘画中除了形准、色准外，还要注意把握好“形”的整体性，处理好黑白灰关系的统一，也有助于表现对象的体积感和画面的大关系。

四、结语

由此可见，素描中对“形”的树立不仅仅是技术层面的提高，更是对造型意识、观念的重新架构与再提升。强调了“形”的概念后，就会对“形”更加重视，求得更深的理解。这样的思维方式训练，看似是从平面素描基础课开始，其实触类旁通，尤其是立体空间造型研究的专业方向，比如雕塑、公共艺术等专业，可以有更广泛的应用与拓展。“形”是专业的辅助动力，无论是习作训练还是大型创作，掌握了“形”的语言与使用方法，对将来的创作应用有深刻的影响，对专业进阶有着更深远的实际意义，我想这也是各专业方向培养学生创造力的目标之一吧。